Categorías
in Music

El Coro Primer – La Unidad de la Pluralidad

 

El cuerpo humano es el más antiguo instrumento musical. El aplausos, sellado de los pies – todos producen el sonido y, cuando se combina con la intencionalidad, “el poder de la mente que se acerca, para representar, o para reposar, cosas, propiedades y estados de cosas”, son capaces de representación, a través de mimetismo, el ritmo y la repetición. Pero mayor aún que las extremidades es la voz humana, capaz de sonidos tan mundano como toser, bostezar, y haciendo clic, a los más sorprendente, como silbar, el habla y, a los efectos de este artículo, el canto.

No se puede determinar con certeza cuando comenzó la música, y ciertamente no es lo que la música sonaba. La mejor teoría es que fue la música vocal y de percusión, indica el hecho de que existen estos dos elementos en las tradiciones populares en todo el mundo. La variante de la música vocal dentro del mundo de la música occidental sería imposible de analizar en profundidad en una tesis, y mucho menos un artículo de 3.000 palabras, y por lo tanto, en aras de la brevedad, nos centraremos en un tipo de música vocal que ha encontrado la prominencia en el mundo occidental: el Coro. Primero registrado en la antigua Grecia, se ha mantenido en un elemento básico del canon occidental hasta nuestros días. Es una tradición que implica muchas diversas voces que se unen para cantar al unísono, con diferentes colores vocales están reuniendo una y otra vez, con el deseo de liberarse y dar voz a sus propios tonos únicos. Coro y coro, son términos más o menos sinónimos. Ambos significan un cuerpo de cantantes que realizan juntos como un grupo. La diferencia viene en lugar. Un coro cantaba en una iglesia o, tradicionalmente, como su nombre indica, del coro (o mano de papel), una parte de una iglesia que tiene capacidad para el clero o el coro. El coro llevaría a cabo en un teatro o sala de conciertos. A pesar de que comienza, como una forma, que consiste casi exclusivamente de vocalistas, otros instrumentos se unieron en, sobre todo de la época barroca en. orígenes

antiguos

Los griegos no poseen el monopolio de la música, ni tampoco grabar la primera música en notación de hoy. La antigua India, Egipto, China, Mesopotamia y todos tenían sistemas musicales. De hecho, la música más antigua registrada en la escritura es mesopotámica (West, 1994). Sin embargo, los griegos, por lo que podemos reconocer a partir de la arqueología, fueron los primeros en poner énfasis y crear un concepto para cantar en grupo, como un coro. El coro extrapolación de los temas y las emociones de los jugadores principales se asocia con el más famoso teatro griego. Incluso La Ilíada de Homero se habría realizado en una forma tal, aunque no existe ninguna anotación registrada de la misma. Sin embargo, algunos ejemplos existen. El uno cree que es la composición más antigua en la que sabemos el nombre del compositor, de Delfos Hymms.

Lo que va a tener en cuenta es que las obras son monofónicos; es decir una sola línea musical cantado por todas las personas. Aunque Opera fue un esfuerzo consciente para reinventar el teatro griego, el Coro era un artefacto que había sido pasado a través de las generaciones. El punto de inflexión de la música antigua de Grecia y Roma se puede encontrar en el Himno Oxirrinco, que data del siglo 3 dC. Aquí es un arreglo moderno, a pesar de que no varía en gran medida de la partitura original.

El texto, en griego, es una interpretación poética al silencio de la Santa Trinidad, y por lo tanto es uno de los ejemplos más recientes de la antigua música coral, pero una de las primeras piezas que se encuentran de música litúrgica cristiana, que se desarrollaría el coro de nuevo los niveles. música

Chant

Chant música (a veces conocido como el canto monofónico o llano, y, a veces erróneamente como el canto gregoriano), ya que sería reconocido hoy en día, se inició en la época de San Ambrosio en el siglo cuarto. Ese estilo de canto es – apropiadamente – llamada Ambrosiana Chant, aunque a veces se refiere como Antiphonal canto. Esto es debido a su método de pregunta y respuesta del rendimiento (en contra anti-, y el sonido phony-; básicamente, sonido contra el sonido). El coro fue a menudo se divide en dos, cada mitad cantar una sección, con el otro canto en respuesta a la misma. canto gregoriano, que es un estilo distinto del canto creado en torno a 900 A.D, carece de este estilo distinto de llamada y respuesta. Estos son ejemplos de los dos estilos que hacen el Kyrie.

Aunque gregoriano y el canto ambrosiano son las permutaciones más famosa de este estilo, la historia completa del canto monofónico es mucho más rico, con los avances que se producen en toda Europa. Estos acontecimientos fueron locales, basado en las liturgias locales, y por lo tanto, diferentes regiones producen diferentes estilos de canto. Un estilo que todavía existe es marcadamente diferente es el canto mozárabe de Portugal y España. Lo que caracteriza a este estilo son las inflexiones microtonales que dan a la pieza un toque oriental. Escuchar a esta interpretación de la misma parte de la masa que oído haber sido hechas en gregoriano y el canto ambrosiano antes:

Las personas con un conocimiento de la historia de la Península Ibérica más probable es darse cuenta de la razón de la esta variación particular: Al-Andalus, también conocido como Iberia islámica, que duró desde 711 a 1492, el cual, en su apogeo, dominó gran parte de lo que hoy es España y Portugal. De la misma manera iglesias habían adoptado elementos arquitectónicos islámicos, también lo hizo la música, con inflexiones microtonales más característicos de Oriente Medio o de la música clásica india de la tradición occidental modal.

Unificación

Aunque hubo numerosas tradiciones ricas en desarrollo en toda Europa, a los que la prominencia adquirida en la Iglesia tenía un objetivo diferente: la estandarización. Los intentos se hicieron por Pipino III el Breve, y se continuaron hasta el cumplimiento en el tiempo de Carlomagno. Esto no fue sólo con el canto, pero la masa y la liturgia. El resultado fue el canto gregoriano, derivado de la mezcla de los estilos de canto de los dos principales centros europeos: Roma, el centro de la iglesia, y París, el centro político. Esto vino a sustituir a casi todas las formas locales de canto. Aquí, de nuevo, escuchar Gloria , pero hecho como canto gregoriano. Por

900 dC, no era suficiente para la notación de la música para convertirse en totalmente estandarizada. Algunos estilos regionales se mantuvieron, como el estilo Mozarbic, a pesar de la iglesia insistiendo bastante estricta que la forma estandarizada debe ser adoptada. Carlomagno fue nombrado el supervisor oficial de la difusión del estilo, e impidió estilos regionales de desarrollo. Es por esto que, a pesar de la rica historia del canto regional monofónico, sólo un puñado de estilos permanecen, y el canto gregoriano se piensa que es sinónimo de canto monofónico.

temprana polifonía

Después de varios siglos de la monodia, se está agregando más voces. Lo que la iglesia no esperaba era que, dentro de esta nueva forma estandarizada, voces individuales comenzaron a desarrollar. Poco a poco, se introdujeron más líneas a la música. Organum es el canto llano, donde se añade al menos otra línea vocal para aumentar la armonía de la música. Pero esto no era ‘armonía’ tal como se entiende hoy en día la palabra. El primer ejemplo de Organum implicó un canto llano gregoriano, con una segunda voz cantando la misma melodía, transpuesta a por cualquiera de una cuarta o una quinta. La tercera, que es el bloque de construcción fundamental de la armonía tonal, fue considerado un disonante, es decir, un intervalo inestable, lo que requiere la solidez de un cuarto, quinto, o al unísono. Una vez más, las diferentes regiones experimentaron en diferentes enfoques para organum. Cada aportado algo. Aunque el más famoso y más significativo estilísticamente en organum más tarde fue el florido Organum de San Marcial y la famosa Escuela de Notre Dame, el Inglés organum, con lo que favorece el intervalo de la tercera, sería el camino a través del cual la música modal conduciría a mayor / menor tonalidad y armonía. Aunque la creación de muchas formas musicales, uno que demuestra en gran medida la transición entre la música medieval y renacentista era el motete. En el motete medieval surgió de organum, en particular la de Léonin y Pérotin. La idea básica es que hay una cantus firmus , un fragmento de una melodía canto llano, por encima del cual un discant , o melodía contador, se movería en movimiento contrario. Aquí es donde el contrapunto (del latín desarrollado punctus puntcum Contra , o punto contra punto) comenzó. característica de Léonin estaba teniendo las dos melodías se mueven en diferentes modos rítmicos. Por ejemplo, él tendría la discant en movimiento en el modo 2 (dos pulsaciones largas) y la cantus firmus en el primer modo (uno largo y uno corto). Esto creó un sonido de voces independientes que se movían en la oposición. Esto es lo que ahora se conoce como ritmo modal, con estos patrones irregulares aplican regularmente como una herramienta de organización. Esta técnica permite la unificación compositores para ser más libre y más audaz en otras categorías, como Pérotin, el sucesor de Léonin, probaría. Escuchar a este ejemplo de una de dos partes Viderunt Omnes por Léonin, y después de cuatro partes de uno en Pérotin.

trabajo

Pérotin se basa en gran medida en base a Léonin. Esto no quiere descuento Pérotin como una simple copiadora o elaborador. Sus avances fueron importantes para el desarrollo de la música coral, en particular, su adición de incluso más voces. Donde Léonin compuesto por dos voces, Pérotin utiliza cuatro, una característica clave que sería vital en la música de las próximas generaciones. A través de su estudio y adopción de ritmos modales de Leonin, Pérotin encontrar maneras de introducir más voces, creando un sonido más rico y una textura más completa que sería el sello distintivo de la nueva generación de la música y los compositores.

La edad de oro de la polifonía

Las técnicas más ricos anunciada por Léonin y Pérotin caracterizaría a la edad de oro de la polifonía. Al igual que antes, la estructura de las partes de la misa católica proporciona la organización principal para la música. Esto es apropiado, ya que también fue la participación de las iglesias que vio cómo se desarrollaría la música. Particularmente vital fue la Contrarreforma y el Concilio de Trento. Dos sesiones del Consejo se ocupan de la música polifónica en la Iglesia Católica. El primero fue a ver con contrafactum, la sustitución de textos con pocos cambios a la música, donde serían llevados y utilizados en los medios de canciones populares, con un texto religioso añadió. Estos no serían directamente copias de la música, pero actuarían como un firmus cantos alrededor de la cual se organizaría la música de la masa. El segundo problema fue con la polifonía como una forma en sí mismo y la preocupación de que las imitaciones hicieron imposible discernir los todas las palabras importantes, los textos sagrados de manera importante a la masa. Algunos creían que debería ser prohibido de plano, la emisión de los textos a tal efecto. Otros fueron menos extrema, aunque cree que sería importante que la música contiene un fuerte elemento de claridad. Aquí está el Kyrie de una famosa misa, para que pueda juzgar por sí mismo si la música es capaz de esto.

la leyenda que Giovanni Pierluigi da Palestrina oído hablar de estos debates y los rumores de la prohibición de la polifonía de la iglesia y que él trató de reformar la música para ser claros, manteniendo al mismo tiempo las ricas texturas de la forma. Compuso la Missa Papae Marcelli , o papa Marcelo misa. La historia cuenta que al oírlo, el cardenal Carlo Borromeo, estaba convencido no sólo de que la polifonía podría ser un inteligible para la masa, pero que, para prohibir esta hermosa música sería una pecado. Aunque algunos textos se conservan de esta época, que tienen por objeto que se trataba de la masa de Palestrina que hizo que los que tienen autoridad ver el potencial de la exist estilo, que se disputa en qué medida las realidades de la historia están vinculados entre sí de hecho. Cartera de cuero

más populares en este momento

  • de Newmen en Negro y Rojo Boxcalf con 10 ranuras para tarjetas de Fort Belvedere $ 285.00 ★★★★★ (25)
  • La conducción de la viruta – Ebook $ 25.00 ★★★★★ (10)
  • raya

  • TOP Sombra acanalado calcetines azul marino y rojo Fil d’Ecosse algodón – Fort Belvedere $ 40.00 ★★★★★ (53)

Práctica Era Común

Con el auge de la música instrumental y la música secular como el predominante estilos, la tradición de la música vocal ha continuado en una forma silenciado. Cuando fue revisado, fue con acompañamiento instrumental significativa. Existen varios ejemplos dentro del barroco, clásico y del romanticismo épocas, desde W. A. ​​Mozart y requiems famosos de Berlioz, con el uso de triunfo de Beethoven del coro en su novena sinfonía. Pero dos ejemplos, relativamente temprano en la era práctica común la armonía tonal, son tal vez más notable. El primero ya se ha discutido en un artículo anterior. J. S. Bach, considerado ahora el más logrado de todos los compositores de música de arte, fue, en su tiempo de vida, mejor conocido como un experto en el órgano que como un compositor. Esto, tal vez, le permitió explorar ideas musicales en sus obras que no fueron necesarias para competir con el mercado musical competitiva recién formado que resultó ser una realidad para su hijo C.P.E Bach y Mozart, y las generaciones posteriores. La principal diferencia con la música coral barroca es que coloca un acompañamiento instrumental junto con el coro. La adopción de la tonalidad como lo hizo posible la centralidad de la tonalidad de la tónica como una técnica de organización significaba que podría tener el coro sigue realizando los ricos imitación de la polifonía mientras que tener una sólida base armónica. En los ejemplos anteriores, la imitación proporciona esta cohesión. Bach fue excepcional en esta área, y realmente explorado las posibilidades de la mezcla de estos dos elementos. Un buen ejemplo son los coros de la Pasión según San Juan.

Aunque Bach es considerado el maestro de esta época, fue Georg Friedrich Händel (nacido como Georg Friederich Händel) que compuso la pieza más famosa de utilizar el coro: El Mesías. Una de las características clave de la obra de Händel es la restricción de orquesta. Ayuda a las voces en vez de intentos de competir con ellos. Aunque el trabajo sí posee secciones que son totalmente instrumental, que comienzan con los instrumentos lentos, tranquilos, lo que lleva a una suave introducción de las voces.

Otro elemento a destacar es el hecho de que, aunque bien dentro de la era de la música tonal, el Mesías no posee una clave tonal. Aunque, Anthony Hicks nos dice que tiene “una aspiración a re mayor”, con varias secciones clave, más notablemente los movimientos triunfantes ‘trompeta’ y el final. Además, Rudolph Steglich da gran importancia a la cuarta ascendente a lo largo del trabajo de un dispositivo unificador. Aunque existe cierta contención sobre si cualquiera de ellos es el caso, con otros atribuyendo la unidad a la diligencia de Händel a su texto y la consistencia de la imaginación, se nota que tiene esta ambigüedad tonal, debido algo a los primeros trabajos corales. ejemplos

Georg Friederich Händel

modernos

Con la llegada del minimalismo, varios compositores adoptaron las técnicas en la música coral. Arvo Pärt, junto con John Tavener y Henryk Górecki, han sido apodado, los Santos minimalistas. Parte es, según lo declarado por minimalista Steve Reich, “completamente fuera de sintonía con el espíritu de la época y sin embargo, es muy popular, por lo que está inspirando. Su música satisface una necesidad humana profunda que no tiene nada que ver con la moda “. Testimonio de la creciente interés en su trabajo es su ser galardonado con un Grammy por su trabajo de 2009 Adam lamento, a principios de este año. Pero lo que hace obras de Pärt destacan es su técnica de tintinnabuli. Esta técnica divide el coro en dos voces: la arpeggiates la tríada (la tónica, tercera y quinta de la escala), mientras que la otra voz se mueve paso a paso a lo largo de la escala diatónica de la cuerda esbozado. Esta técnica no es exclusivo de la música coral, y se ha utilizado ampliamente en su obra instrumental, sobre todo Spiegel Im Spiegel . Pero se necesita en una cierta relevancia cuando es realizada por un coro, ya que la técnica fue desarrollada por la Parte en respuesta a sus experiencias místicas con música Canto.

Su trabajo, Magnificat, es quizás el ejemplo más relevante, y es considerado por la Parte biógrafo, Paul Hiller, para mostrar “la técnica tintinnabuli en su forma más suave y refinado.” Además, se introduce otras técnicas utilizadas en la música canto, tales como aviones no tripulados que Hiller sugiere refuerza la “sensación de atemporalidad o un presentes continua” a menudo se encuentran en la obra de Pärt.

de música coral moderna, el Réquiem de György Ligeti es quizás el más famoso. Estoy seguro de que todos hemos escuchado esto: la fama de

Ligeti debe en gran parte a un amplio uso de su música en películas como 2001: Odisea del espacio, y más recientemente la escena paracaidista en Godzilla. Es su Réquiem que ha ganado tanta atención fuerte, pero él ha compuesto numerosas obras vocales. Pero afirmar que esta es la única razón sería engañoso. La fuerza de la música de Ligeti es en la textura. Una gran cantidad de música, especialmente la música coral, se centra en la melodía, una secuencia claramente articulado que sigue el oído. Como se señaló anteriormente, tanto la música coral es modal, que se basa en melodías de trabajo, ya sea en conjunción con o contra otras melodías, a veces está entrecruzando y indiscernibles, creando una textura rica. Ligeti hace esto de una manera extrema. Se renuncia a la idea de la melodía distinguibles por completo, centrándose en cambio en la textura de numerosas voces. La técnica de composición que utiliza para lograr esto es micropolifonía. Como su nombre indica, es un ejemplo de muchos cánones muy pequeños, muy densos que suena todo en contra y entre sí. El efecto, como Cope revela, es el sonido de los acordes de racimo pero el movimiento de las diferentes líneas crea “una simultaneidad de diferentes líneas, ritmos y timbres”. Es un ejemplo extremo de la polifonía, en donde todas las voces cantan al parecer uno contra el otro, pero en realidad crear un sonido rico, bella e inquietante. Esto es lo que hace Ligeti y la Parte conclusiones tan interesante este artículo. En ambos casos, la textura es predominante, pero sus difiere enormemente de aproximación. Ligeti, crea líneas densas ricas que recuerdan a algunos de los más musicalmente rica polifonía del período tardío medieval y renacentista, y con parte se centra en la narrativa, la creación de una obra tan rica y exuberante. Pärt y Ligeti eco de la historia de la música coral en sus obras, mientras que la creación adiciones únicas.

más de una voz

La historia y la variedad de música coral es amplia y diversa, y este artículo es una introducción a un pequeño número de las obras y compositores que han creado la música en esta tradición. Disfrutar de estos ejemplos, pero por favor buscar a algunos de la otra música, de otros pioneros como Guillaume Dufay, Josquin des Prez, William Byrd y Thomas Tallis, a compositores barrocos como Claudio Monteverdi y Henry Purcell, a los compositores modernos como Ralph Vaughan Williams y Benjamin Britten. La tradición es mucho más rica que una sola voz.

Referencias:

Cope, David (1997). Técnicas del compositor contemporáneo . Nueva York, Nueva York: Libros de Schirmer.

Hillier, Paul, Arvo Pärt, Oxford Estudios de Compositores (Oxford y Nueva York: Oxford University Press, 1997).

West, M. L., ‘La Babilonia notación musical y la hurrita melódico Textos’, Música y Letras , LXXV, no. 2 (mayo de 1994), 161-79.

Compartir esta entrada
  • Compartir en Facebook
  • Compartir en Twitter Compartir en
  • WhatsApp
  • Compartir en Pinterest
  • Compartir en LinkedIn
  • Compartir en Reddit
Categorías
in Music Savoir Vivre

Hector Berlioz: La Patológica romántica

 

En nuestro reciente artículo sobre el Tres B de la música que mencionar que el compositor francés Hector Berlioz del romanticismo fue la elección original para el tercero B de la Trinidad. Él, a medida que pasaba el tiempo, perder esa posición a Johannes Brahms. Pero eso no es una acusación en contra de Berlioz, ni es algo de premio de consolación. Si todo lo que uno podría considerar que un cumplido: Berlioz, aunque influido por la tradición que llegó delante de él, se desea que trazar una ruta menos propicio que eso. Él es Lucifer a Brahms Espíritu Santo: en lugar de seguir las estructuras del padre y del hijo, Berlioz deseaba recorrer su propio camino, ser el portador de la luz de una nueva generación. Además, hemos visto el tormento Brahms experimentó adoptar el manto de Beethoven. Berlioz tenía sus propias turbulencias que lidiar.

Estos disturbios son inseparables de su trabajo, en especial su Sinfonía fantástica, su obra más famosa. Berlioz poseía un reparo hacia el romanticismo, no podía ayudarse a sí mismo para vivir el estilo de vida que hizo, a pesar de los tormentos obsesivos que ha creado en su interior.

no convencional Inicios

Berlioz nació en 1803 a Louis-Joesph Berlioz, un médico respetado y académico, y de María Antonieta Berlioz. A diferencia de muchos famosos compositores Berlioz no era un niño prodigio. Su padre no estaba demasiado interesado en la idea de su hijo como músico y así lo desanimó al estudiarlo. Berlioz estudio de la música comenzó cuando tenía doce años, y que no recibió la educación tradicional como con las tres B o de otros compositores. Las manifestaciones más fuertes es su falta de capacidad de piano, en realidad nunca aprenderlo. En lugar de ello aprendió armonía de los libros de texto y tocaba la guitarra y la flauta. Su Nunca tocar el piano fue descrito por él como tanto beneficiosos como perjudiciales.

Pero cuando el desaliento de su padre pudo haber sido problemático, credenciales académicas asegurado Berlioz Louis-Joesph ganó una gran cantidad de conocimientos en otras artes, especialmente la literatura. Él estaba interesado en Shakespeare, y a los doce años descubrió Virgilio en latín y, con la guía de su padre, lo tradujo al francés.

Se trasladó a París los 18 años para estudiar medicina, una profesión a la que tuvo la indiferencia inicial y el tiempo absoluto disgusto después de presenciar un cadáver siendo diseccionado. Pero donde su educación formal era un trabajo pesado, la ciudad de París, su nuevo hogar, siempre a tener acceso a un mundo artístico que aún no había experimentado. Paris Opera le presentó a Gluck, y el Conservatorio Biblioteca de París le proporcionó recursos para estudiar música como nunca antes, a pesar de que no era formalmente un estudiante.

acumulando gradualmente el conocimiento, la construcción de su propio repertorio de composición y la obtención de contactos con los compositores y músicos, Berlioz abandonó sus estudios de medicina en forma permanente en 1824, muy a su padres desaprobación. Dos años más tarde comenzó a estudiar en el Conservatorio. Se sometió a una fuga el Premio de Roma, una beca de gran prestigio, aunque Berlioz no ganaría hasta su cuarto intento en 1830. Las razones de su persistencia no era más que el prestigio, aunque cualquier joven compositor podría desear esto, sino también la seguridad financiera que cuenta con su pensión de cinco años.

Fue también en la década de 1820 que descubrió las sinfonías, sonatas y cuartetos de cuerda de Beethoven, así como su introducción a Fausto de Johann Wolfgang von Goethe. Él también comenzó a estudiar Inglés para que pudiera leer a Shakespeare. También fue en este periodo cuando comenzó a escribir la crítica musical, y la actividad que continuaría durante su carrera.

Hector Berlioz

Pasó dos años en Roma como parte de su beca, donde llegó a detestar la ciudad, pero adoraba el campo circundante. Su accionamiento principal para continuar era de la poesía de Byron, que igualmente pasó un tiempo en Italia, las escenas y personajes de su poesía proporcionar Berlioz un acceso a la ciudad y sus alrededores.

No hizo una gran cantidad de componer mientras que en Roma, pero un incidente revela un acuerdo considerable de temperamento de Berlioz. Antes de salir de París Berlioz se comprometió a Marie Moke. En Roma recibió la noticia de su futura madre-en-ley que el compromiso estaba apagado y que su hija iba a casarse con Camille Pleyel, un fabricante de pianos rico. Él se enfureció y su respuesta era matar a los tres y luego a sí mismo. Su plan requiere un disfraz compuesto por un vestido, peluca y el velo a la entrada de ganancia a su casa, y dos pistolas de doble cañón, una bala para cada cuestión. En el caso de que las pistolas funcionado mal que tenía veneno como copia de seguridad. Esto no era simplemente planeado, pero él tomó la acción para lograr su objetivo. Él compró los elementos necesarios e hizo camino a París. En el transcurso del viaje (un viaje considerable en el siglo XIX) que poco a poco comenzó a ver la locura en el plan, y por el momento en que llegó Niza decidió suspender el asesinato-suicidio y continuar con su música en Roma. Lo que hace que este incidente tan revelador es que no sólo se vio impulsado por la pasión desenfrenada, patológica, sino que fue acompañado de una planificación muy cuidadosa y muy creativos, y no la mencionó el teatro llamarada si efectivamente realizada. Su celo para con éste incidente puede haber desaparecido, pero la combinación de la pasión y la planificación, de la convulsión y la artesanía era permanecer.

Artesanía: Tratado de Instrumentación

Antes de explorar ejemplos específicos de la música de Berlioz es lo que vale la pena discutir sus contribuciones académicas. Berlioz, como Wagner, pasó gran parte de su carrera escribiendo sobre música en vez de componer música.

Berlioz también estableció una reputación para sí mismo como un conductor. La primera vez que considera la adopción de este post debido a su descontento con las actuaciones anteriores de su trabajo. Esto se ha atribuido al hecho de que muchos conductores todavía más fueron utilizados para la realización de obras de estilo antiguo, donde Berlioz requiere una técnica desarrollada con el fin de realizar plenamente sus ideales artísticos.

pesar de su éxito con obras como Sinfonía fantástica y ser considerados heredero de Beethoven, se encontró cada vez más difícil para ganar un público para sus obras. Esto le llevó a viajar y trabajar como director en numerosos países, la realización no sólo su trabajo, sino también la de otros compositores. Él, sin embargo, a pesar de su talento, no tienen una posición para cualquier orquesta, que aparece sólo como director invitado, aunque esto era suficiente para aumentar considerablemente su fama.

Adoptado como una necesidad para tener sus obras realizadas de la manera que quería, su talento demostraron ser considerable en esta zona, con muchos, como Hans von Bülow considerándolo el mejor director de orquesta de su edad. Otros, como el crítico Louis Engle, también mencionan su increíble capacidad de ‘escuchar’ los instrumentos, y su comprensión de cómo interactúan los diferentes sonidos. Engle da un ejemplo cuando Berlioz notó una diferencia de tono menor con dos clarinetes. Esto sería un considerable pies en cualquier circunstancia, y mucho menos exigentes esta discontinuidad entre una orquesta completa.

Su conocimiento de los instrumentos alcanza su mayor altura, con su Tratado de Instrumentación. El trabajo, el primero de su clase, actúa como un manual, proporcionando compositores con información sobre los diferentes instrumentos y cómo interactúan, a través de medio de ejemplos de obras del propio, así como Mozart, Beethoven y Wagner, y dar consejos sobre ciertas combinaciones Etcétera. Esto era considerablemente más influyente. Mahler, Strauss Mussorgsky y Rimsky-Korsakov estudiaron de cerca, con este último a producir su propia versión.

Harriet Smithson retratar Ofelia

Sinfonía fantástica de Berlioz

produce una gran variedad de trabajos. A partir de piezas orquestales como La Damnation de Faust (inspirado en Geothe) a una sinfonía dramática basada en la de Shakespeare Romeo y Julieta, a Harold en Italia, a varias oberturas de concierto sigue siendo tan populares como El Corsario y Romain Le Carnaval, así como obras vocales como el ciclo de la canción las noches de estío y el oratorio L’enfance du Christ a través de Te Deum y Grande Messe des morts, tal vez su segunda obra más famosa. De todos Berlioz de obras es su Sinfonía fantástica que revela su compulsión hacia la romántica, sino que también muestra su plena capacidad como artesano musical.

La sinfonía se trata tanto de Berlioz, ya que se trata de música. En septiembre de 1827 Berlioz fue a una producción de Hamlet de Shakespeare puesta en escena por un grupo de teatro Inglés. La actriz que interpretó a Ofelia era Harriet Smithson, una actriz de origen irlandés que ganó fama considerable y un gran número de admiradores en París.

Berlioz era uno de estos admiradores y quedó cautivado por la actriz. Ella se convirtió en fixe idee de Berlioz (idea fija, también conocida como la monomanía). Se obsesionó con ella, a pesar de que nunca había conocido a la actriz y se dedicaban a Marie Moke.

Aparte de su relación con Moke, lo que hace esto tan difícil de Berlioz era que Smithson no tenía idea que existía. Escribió sus innumerables cartas, pero éstas eran todas sin respuesta, no es sorprendente teniendo en cuenta el gran número de admiradores Smithson tenía y el número de cartas que recibió probable. Pero esto no impidió que los esfuerzos de Berlioz, y continuó esta actividad sin esperanza hasta 1832, cuando, a través de un amigo común, que tenía Smithson vienen a la realización de Lélio, ou le Retour à la Vie, su secuela de Sinfonía fantástica. Hasta ese momento que la había visto sólo alguna vez en el escenario, y creó en su mente las mujeres ideales alrededor de su rostro. La ausencia de esta querida fortaleció la belleza de ella, y se alimenta su obsesión.

Se convirtió en amor enfermo y composición se convirtió en una catarsis para él. Esta obsesión llevado a la sinfonía, que es uno de los mayores ejemplos de programa de música, donde la narrativa se expresa a través de instrumentos en lugar de cuenta a través de la voz humana con los instrumentos que proporciona ambiente y el entorno.

Así como el elemento de la música de programa existen diferencias en la estructura, aunque esto está vinculado con el elemento de programa. Sinfonías general poseía cuatro movimientos, pero Berlioz tiene cinco: 1.

Rêveries – pasiones (Ensueños – Pasiones) 2. Un bal (una pelota) 3. Scène Aux Champs (escena en el País) 4. Marche au supplice (marzo de el Andamios) 5. Songe d’une nuit de sabbat (sueño de un aquelarre)

Berlioz proporciona notas de programa a ser distribuido al público tras la entrada en el teatro, proporcionándoles una forma de entender la narrativa work.The proporcionado es la siguiente:

un joven músico de la mórbida sensibilidad y ardiente imaginación a sí mismo con los venenos de opio en un momento de desesperación causada por el amor frustrado. La dosis de narcótico, mientras demasiado débil para causar su muerte, le sumerge en un sueño pesado acompañado por la más extraña de las visiones, en la que sus experiencias, sentimientos y recuerdos se convierten en su cerebro febril en los pensamientos musicales e imágenes. Su amada se convierte para él una melodía y como una idea fija, que conoce y se oye en todas partes.

Hay una nota importante que hacer, que es que incluso el propio Berlioz ve la importancia de la melodía y el amado combinado como un fijo doble idée. Cartera de cuero

más populares en este momento

  • de Newmen en Negro y Rojo Boxcalf con 10 ranuras para tarjetas de Fort Belvedere $ 285.00 ★★★★★ (25)
  • La conducción de la viruta – Ebook $ 25.00 ★★★★★ (10)
  • raya

  • TOP Sombra acanalado calcetines azul marino y rojo Fil d’Ecosse algodón – Fort Belvedere $ 40.00 ★★★★★ (53)

Leonard Bernstein más destacado es la importancia de la idea fija en la comprensión de la sinfonía:

la melodía se utiliza en cada uno de los movimientos, una especie de porto-hilo conductor, que representa la obsesión que tiene con su amada. El enfoque de Berlioz es mucho más innovadoras que eso. En lugar de utilizar la melodía como un medio de revelar la presencia de su amada, como es el uso de los leitmotivs, revela cómo su percepción de ella cambia en el transcurso del trabajo. Cambia, en lugar de ser una idea estática. Esto está en consonancia con el romanticismo patológico de Berlioz. Él es incapaz de convertirse en Placid con una idea. En su lugar, se agita constantemente en su mente, tirando de sus pasiones de la esperanza a la desesperación, la alegría y la ira.

Pero esta “doble” idea fija “el yugo de la fijación amorosa y auditiva”, tal como se describe por Francessa Brittan, no es una nueva innovación de Berlioz como se pensaba inicialmente. Brittan relata dos historias, E.T.A. de Hoffman 1814 “Autómata” y la señora de Duras 1825 Édouard novela, como anterior a la narrativa de la Sinfonía fantástica con es historia de un perturbado amante por un amor inalcanzable que infecta sus mentes, la monomanía le impregna a cada paso.

La naturaleza autobiográfica de la obra es difícil de controversia. Berlioz, en una carta a Humbert Ferrand, escribió “Ahora, mi amigo, aquí es cómo he tejido mi novela [mon romano], o más bien mi historia [mon histoire], cuyo héroe no tendrá ninguna dificultad para reconocer”. Y, como revela Britton, su monomanía con Smithson fue paralizando el compositor en la misma época. Grabó en una carta a un amigo: “Iba a venir a verte hoy, pero el terrible estado de exaltación nerviosa que he estado luchando contra los últimos días es peor esta mañana y yo soy incapaz de llevar a cabo una la conversación de cualquier razonabilidad. Una idea fija me está matando. . . todos mis músculos se contraen como un moribundo de “. Tenga en cuenta que Berlioz se refiere a la enfermedad de su protagonista con el mismo vigor y términos como su propia aflicción y también se refiere a ella como una idea fija.

Pero esto no quiere decir que Berlioz escribió la obra en un atracón inducida sola opio. Paul Banks, examinando varios estudios de la Symphonie, revela “que durante los primeros cuatro años de existencia, el Fantastique sufrió importantes cambios estructurales que altera no sólo la forma de los movimientos individuales, sino también el di- seño de toda la obra.”

bancos, como Bernstein, pone de relieve la importancia estructural de la idea fija, haciendo hincapié en el papel que desempeña en la reducción de los movimientos sucesivos. Este clímax con lo que parece superficialmente como una técnica estándar de recuerdo romántico temática y retorno cíclico como unificador, que en realidad no es tan estática como esta técnica, pero en su lugar, actúa como una forma de crear diversidad a través de la unidad proporciona el tema. Escuchar el trabajo con especial atención a la idea fija, y con un ojo en las notas del programa proporcionados por Berlioz.

1. Rêveries – pasiones (Ensueños – Pasiones)

Se acuerda por primera vez la inquietud del espíritu, la pasión indefinible, la melancolía, la alegría que sentía sin rumbo, incluso antes de ver a su amada; entonces el amor explosivo de repente se inspiró en él, su angustia delirante, sus accesos de furia celosa, sus declaraciones de ternura, sus consuelos religiosos.

2. Un bal (una pelota)

Se reúne de nuevo a su amada en una bola durante un fête brillante.

3. Scène Aux Champs (Escena en el País)

Una tarde de verano en el campo que oye dos pastores dialogar con su ‘Ranz des vaches’; este dúo pastoral, el entorno, el susurro suave de los árboles en el viento, algunos motivos de esperanza que ha concebido recientemente, todos conspiran para restaurar a su corazón un sentimiento desacostumbrado de calma y dar a sus pensamientos una coloración más feliz; pero ella vuelve a aparecer, se siente una punzada de angustia y pensamientos dolorosos molestarlo: ¿y si ella lo traicionó … Uno de los pastores retoma su melodía sencilla, el otro no responde ya. El sol se pone … sonido distante de un trueno … la soledad … silencio …

4. Marche au supplice (marzo para el cadalso)

Sueña que ha matado a su amada, que está condenado a muerte y condujo a la ejecución. Los avances procesión al sonido de una marcha que es a veces sombrío y salvaje, y, a veces brillante y solemne, en el que un sonido sordo de pasos pesados ​​sigue sin transición los estallidos más fuertes. Al final, los vuelve a aparecer idea fija para un momento como reflexión final de amor interrumpido por el golpe fatal.

5. Songe d’une nuit de sabbat (Sueño de Sabat

Se ve a sí mismo en una de las brujas brujas) día de reposo, en medio de una reunión espantosa de sombras, hechiceros y monstruos de todo tipo que se han unido para su funeral. extraños sonidos, gemidos, carcajadas; gritos lejanos que parecen ser respondidas por más gritos. La melodía amada aparece una vez más, pero ahora ha perdido su carácter noble y tímido; que ya no es más que un vulgar baile con precisión, trivial y grotesco: es ella la que está llegando al día de reposo … rugidos de alegría por su llegada … Ella se une a la orgía diabólica … El funeral Knell peajes, parodia burlesca del Dies Irae . La danza de las brujas. La danza de las brujas combinados con el Dies Irae. Berlioz creado notas de programa que él refinó durante varias décadas para acompañar a la composición.

Este es el movimiento más significativo y bien conocido de la obra, en particular con la idea fija ahora transformado en un tenue, caricatura horrible de sí mismo y dominado por el Dies Irae, un siglo 13 América himno, con un fuerte metros trocaica que dice Día del Juicio, donde Dios viene a traer el guardado en el paraíso y el elenco no guardado en el ajuste de fuego.

Puede preguntarse por qué incluimos e incluso hacen hincapié en estas notas cuando se habla de la sinfonía. el propio Berlioz hizo hincapié en la importancia de las notas, haciendo hincapié en que las notas del programa deben “considerarse como el texto hablado de una ópera, que sirve para introducir movimientos musicales y motivar su carácter y expresión”. Por la revisión 1855 menciona que “uno puede incluso dispensación de distribuir el programa y mantener sólo el título de los cinco movimientos. El autor espera que la sinfonía ofrece en su propio interés musical suficiente de forma independiente de cualquier intención dramática “.

caricatura de Hector Berlioz realización

El cambio en su importancia puesta en las notas puede ser debido a su naturaleza algo profético. Berlioz el tiempo llegaría a casarse y vivir con Smithson, sino casi como predijo su sinfonía, no era y entrada en un paraíso, sino un inquietante preocupado matrimonio.

El punto culminante de la carrera de Smithson ya había pasado el momento en que conoció a Berlioz, que es propia fama fue creciendo, especialmente teniendo en cuenta las comparaciones con Beethoven. Algunos creen que fue debido a esto que Smithson casó Berlioz, en lugar de una atracción mutua. También hubo una considerable dificultad en su conversación, Berlioz comprensión única escrito Inglés y Harriet no saber francés. Ambos eran propensos a la violenta explosión y arrebatos de mal genio. Durante la próxima década la carrera de Smithson se deterioró, conduciéndola al alcoholismo, hasta Berlioz finalmente se divorció de ella y fue a vivir con su amante, Marie Recio en 1844. Su matrimonio destruido esencialmente su propia idea fija de Smithson, y ya deseaba que los recuerdos duros fríos de esta obsesión perdida. El dolor de corazón de anhelo fue sofocada por la agonía de la realidad.

El Patológica romántica

Aristóteles lamentó una vez, “¿por qué es que todos los hombres que se han destacado en la filosofía, la poesía o las artes son melancólica?” Y aunque esto no es del todo cierto (piense en Bach o Mendelssohn) ciertamente conjetura Berlioz. Y en el caso de Berlioz era su ardiente temperamento, la vida mediante la coacción y la pasión, su entrega patológica a sus impulsos que crearon revoluciones maravillosas en la música, su melancolía que proporciona la inspiración y la fuerza motriz de su música, y su dedicación a la creación artesanal obras de visión orquestal rico y control de temática romántica.

Lectura recomendada:

Nichols, Roger, “Berlioz: el innovador”, Gramophone.

Referencias:

Banks, Paul, “La coherencia y la diversidad en la‘Sinfonía Fantástica’”. 19a-Century Music, Vol. 8, No. 1 (verano, 1984), pp. 37-43.

Brittan, Francesca, “Berlioz y el patológico fantástico: la melancolía, la monomanía y la autobiografía romántica”, del siglo 19-Music, Vol. 29, No. 3 (Primavera 2006), pp. 211-239.

Compartir esta entrada
  • Compartir en Facebook
  • Compartir en Twitter Compartir en
  • WhatsApp
  • Compartir en Pinterest
  • Compartir en LinkedIn
  • Compartir en Reddit